La Madani compagnie

Ahmed Madani

En 1985, Ahmed Madani réunit autour de lui un collectif d’artistes et crée Madani Compagnie dans le but de réaliser un théâtre d’art poétique et populaire fondé sur le rapport au sociétal. En 1987, la compagnie est à l’initiative de Big bang Banlieue, premier festival national de la création artistique en banlieue. La compagnie intensifie alors sa recherche de création artistique en milieu urbain. Dans cette démarche très innovante, les lieux de création (entrepôts, magasins inoccupés, immeubles abandonnés), les thématiques, les distributions sont à l’origine de projets artistiques ouverts au plus large public. De 1987 à 2002, plusieurs spectacles marquent les esprits et ont une diffusion nationale. En 2003, la compagnie se met en sommeil, moment où Ahmed Madani est nommé à la tête du Centre dramatique de l’Océan Indien.

En 2007, à la suite de 4 années de direction, Ahmed Madani reprend ses activités artistiques au sein de sa compagnie. Son théâtre garde la volonté de questionner l’histoire contemporaine et notre monde en mutation dans ce qu’ils ont de plus troublant et de plus palpitant, par le biais de l’écriture.

L’adaptation d’œuvres du répertoire, l’écriture de pièces originales, la recherche dans le cadre de chantiers artistiques, sont autant de pistes de travail pour un auteur en scène qui a choisi d’écrire une partie de son œuvre à partir de la matière humaine des artistes engagés à ses côtés.

Il réalise une quarantaine de spectacles. Depuis 2011, il développe le projet Face à leur Destin dans une dynamique de dialogue avec la jeunesse des quartiers populaires. En 2012 il a créé Illumination(s), premier volet du triptyque, suivi de F(l)ammes en 2016. Ces deux créations sillonnent la France et totalisent plus de 350 représentations.

Dans ce même parcours, il s’attelle à la production de pièces de plus petit format : Je marche dans la nuit par un chemin mauvais en 2014 et J’ai rencontré Dieu sur Facebook en 2018.

Depuis novembre 2019, il bâtit le troisième et dernier opus de la trilogie, constitué d’Incandescences, un spectacle-chorale qui sera créé en 2020, et d’Au non du père, une œuvre intimiste dont la création en salle a été réalisée en octobre 2021 au Théâtre Am Stram Gram de Genève.

Ses textes sont édités aux éditions Actes Sud-Papiers et à l’École des Loisirs. Ahmed Madani a reçu le prix ado du théâtre contemporain 2015 et le Prix Villers-Cotterêts de la Francophonie pour sa pièce Je marche dans la nuit par un chemin mauvais en 2019.

La compagnie

L’ambition des créations est de questionner l’histoire contemporaine dans ce qu’elle a de plus troublant et de plus palpitant en produisant un théâtre d’art poétique et populaire dont les pierres angulaires sont l’écriture et la matière humaine.

Les questions du social et du politique ont, depuis la fondation de la compagnie, fait l’objet d’une attention particulière ; elles restent un élément important de leurs préoccupations. Les profondes mutations et transformations de la société française et les grandes problématiques qui dépassent cette réalité franco-française incitent à être attentifs aux bruissements du monde. L’écriture de pièces originales, l’adaptation d’œuvres du répertoire, la recherche dans le cadre de laboratoires et de chantiers artistiques, les commandes à des auteurs vivants sont autant de pistes de travail pour faire émerger des écritures et les donner à entendre.

La transmission est un autre pilier de leur projet ; dans cette perspective, les travaux de médiation, de formation, de confrontation aux réalités d’un territoire, la création d’œuvres à destination d’un public familial, la création de textes du répertoire classique ou moderne sont des réalisations qui matérialisent une forme de propédeutique pour l’initiation de tous ceux qui sont éloignés du théâtre.

Dans le but de rayonner, de faire tourner et de partager avec le plus large public leurs créations, la compagnie veille à ce que ses actions soient prioritairement menées en complicité et en partenariat avec des théâtres d’ici et d’ailleurs. Sans chercher à s’inscrire dans un courant esthétique particulier, les productions ne sont pas conçues comme de purs jeux formels ou conceptuels, elles ont comme objectif ultime le sens des textes et, à travers lui, la compréhension du monde.

C’est en cet endroit précis que la compagnie entend défendre un point de vue singulier sur une éthique de l’esthétique.

Production Madani Compagnie 

Coproductions 

Le Grand T, Théâtre de Loire-Atlantique à Nantes, La MC93 – Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis Bobigny, Fontenay-en-Scènes à Fontenay-sous-Bois, Le Théâtre Brétigny – Scène conventionnée arts et humanités – Résidence d’artistes, L’Atelier à Spectacle – Scène conventionnée d’intérêt national de l’Agglo du Pays de Dreux, à Vernouillet (28), La Scène Nationale de l’Essonne – Agora-Desnos, La Maison de la Culture à Amiens – Pôle européen de création et de production, La Comédie de Picardie, Le Vivat d’Armentières, Scène conventionnée d’intérêt national Art et Création, Le Théâtre Les Passerelles à Pontault-Combault – Scène de Paris – Vallée de la Marne, L’Azimut – Antony/Châtenay-Malabry.

Soutiens 

La Maison des Arts de Créteil, Le Théâtre 71 – Scène nationale de Malakoff, Le Théâtre de Chelles, Le Théâtre de Saint-Quentin-en-Yvelines, La Maison des Pratiques Artistiques Amateurs à Paris, Le Safran – Scène conventionnée, La Maison du Théâtre à Amiens, Le Théâtre de Poche à Bruxelles, La Mairie de La Courneuve – Houdremont centre culturel.

Le projet bénéficie du soutien de la Fondation SNCF, du Ministère de la Culture (aide au compagnonnage), de la Région Ile-de-France (aide à la création), du Département du Val-de-Marne et du Département des Yvelines, et est réalisé avec la participation artistique du Jeune Théâtre National. 

Ahmed Madani est artiste associé au Théâtre Brétigny – Scène conventionnée arts et humanités, artiste associé à L’Atelier à Spectacle – Scène conventionnée d’intérêt national de l’Agglo du Pays de Dreux (Vernouillet – 28) et Compagnie en résidence à Fontenay-sous-Bois (Fontenay-en-Scènes).

Madani Compagnie est conventionnée par la Région Île-de-France, par le Ministère de la Culture – DRAC Île-de-France. 

Elle bénéficie également du soutien du Département de l’Essonne.

Photos © François-Louis Athénas

Orlando Di BELLO

Mariano GIL

Photos © …

Carole Bordes

D’abord formée à la technique Mattox, Carole Bordes travaille très tôt en tant qu’interprète pour Serge Keuten, Géraldine Armstrong, Karine Saporta, à une création et trois reprises de rôles.
Danseuse virtuose de par sa formation, Carole a toujours eu besoin de trouver du sens, d’interpréter avec sa sensibilité et un engagement total du corps et de l’esprit.
Elle s’épanouit dans le travail de Laura Scozzi avec qui elle foule les scènes d’opéras de France et d’Europe.
Elle participe dernièrement aux créations de Charlie-Anastasia Merlet à Toulouse et d’Amélie Poirier à Lille.

En parallèle de son travail d’interprète, elle monte sa compagnie en 2008, qu’elle conçoit comme un lieu idéal d’association d’humains, d’idées, de création. Elle expérimente avec d’autres artistes : danseurs de différents horizons, vidéaste, compositeur, scénographe…
Depuis 2015, le noyau de la compagnie est constitué de Carole Bordes et de Johann Fournier, créateurs aux multiples facettes, ayant leurs écritures propres et entamant un travail de recherche commun.

Implantée en Seine et Marne, la compagnie se structure et déploie ses projets à Paris et en région, notamment dans le Vaucluse et la Charente-Maritime.

En 2016, Carole Bordes participe à Prototype 3 de Royaumont dirigé par Hervé Robbe sur le sujet de la Citation comme paradigme à la construction chorégraphique.
Elle continue à façonner ses aspirations de chorégraphe et travaille depuis 2017 avec le regard extérieur de Jean Gaudin, les créations R pour Résistance et L’élan Naïf.

Riche de ce parcours, ses recherches chorégraphiques la mènent à façonner son propre langage : une gestuelle chargée et sensible qui met en avant l’état de corps pour donner à ressentir autant la puissance que la poésie.

Chaque pièce la mène à effectuer un travail de recherche, afin de trouver une danse-matière guidée par le propos et capable de le transcender.

Chorégraphie et interprétation Carole Bordes
Batterie live Samuel Ber
Regard extérieur Jean Gaudin
Scénographie vidéo Johann Fournier
Création lumière Benjamin Forgues
Création costume Coline Galeazzi, Maria Filali
Création sonore Jonathan Bénisty
Accompagnement au jeu Thierry Bilisko

Coproductions micadanses, CCN de Créteil, Fondation Royaumont

Soutiens DRAC Ile de France, Région Ile de France, Département Seine-et-Marne, CDCN Les Hivernales à Avignon, ECAM Théâtre du Kremlin Bicètre, L’Horizon à la Rochelle, Le Leurre à Granville, CN D Pantin, Café Danses à Savigny-le-Temple, Conservatoire du 17ème à Paris. 

Ce projet bénéficie de l’aide à l’écriture de l’association Beaumarchais-SACD.

Photos © Cie Émoi / Laurent Paillier 

La compagnie Zaï 

C’est une compagnie de spectacle pluridisciplinaire, créée en 2015 consolidée en association en 2016, dont l’objet est la création de spectacles, tout public et jeune public ainsi que la transmission auprès des jeunes générations et des publics défavorisés.

L’envie de faire converger nos langages est une priorité des artistes de la compagnie.  Victor l’enfant sauvage, est la première création de la compagnie Zaï. Elle est donc née de la rencontre des auteurs de ce projet

Dès la création de la compagnie l’idée a été de créer des spectacles dans lesquels on retrouve une écriture visuelle, sonore et corporelle. Plusieurs supports d’écriture ont été envisagés : le théâtre contemporain, le théâtre gestuel, le théâtre visuel, le mime contemporain, le théâtre d’ombres, le théâtre de marionnettes, le théâtre d’objet, le théâtre d’illustration, le clown, la performance scénographique, la composition musicale acoustique et numérique, … Pour Arnaud Préchac, directeur artistique de la compagnie, la rencontre des langages artistiques est au cœur de la dramaturgie et des choix de mise en scène et permet de faire naître une écriture plurielle et sensorielle. 

Par création collective, la compagnie Zaï recherche à écrire les spectacles a plusieurs, chaque artiste devient coauteur du spectacle, et non pas seulement restreint à sa spécialité. En réunissant des langages sensoriels différent et en écrivant à plusieurs, le spectacle est enrichipar le collectif.

Parmi le deuxième volet fondamental de cette compagnie, il y a la rencontre avec le jeune public et plus généralement le spectateur tout public, car un spectacle pour les enfants peut plaire aussi aux adultes, en leur donnant le droit et le moyen de se laisser emporter par l’univers sensoriel et le propos dramaturgique et narratif d’un spectacle. Au fond « nous sommes tous des enfants à réveiller. » 

La transmission et la sensibilisation auprès des jeunes est une chose que les membres de la compagnie ont à cœur de continuer de développer. Par ailleurs ils donnent régulièrement de stages aux enfants dans le cadre de leurs représentations (centres culturels, écoles et festival, festival Mimos 2016, écoles de Corbeil et Bagneux etc.…)  

Quant au travail de sensibilisation et de transmission auprès des publics défavorisés, la compagnie a accompagné plusieurs ateliers et créations avec Wake up Café, auprès des détenus de Nanterre, de Meaux et les détenues de Réau (théâtre, expression corporelle et image de soi, adaptation d’un roman en  théâtre d’ombres représenté à la Philharmonie, travail du masque et du jeu burlesque…)., ou bien encore une adaptation marionnettique de “Fahrenheit 451” avec les détenus de la maison d’arrêt de Nanterre, (festival Vis à Vis Théâtre Paris Villette). 

Par ailleurs, la compagnie intervient auprès des jeunes du centre d’éducation motrice de Garches et au SESSAD d’Aubervilliers (service d’éducation spéciale et de soins à Domicile)

Une création collective de la compagnie Zaï

Mise en scène et jeu corporel Arnaud Préchac

Création illustrative Blandine Denis et Juliette Morel

Création et régie sonore Gildas Préchac

Régie illustrative Juliette Morel ou Florence Garcia

Production: compagnie Zaï

Soutiens : Ville de Poissy, Théâtre Blanche de Castille de Poissy, Le moulin de montainville (78), Théâtre aux mains nues, Festival Mimesis (International Visual Theater) et Mimos, Spedidam.

Photos © Marie Prechac / ElBeweging

Carole Bordes

D’abord formée à la technique Mattox, Carole Bordes travaille très tôt en tant qu’interprète pour Serge Keuten, Géraldine Armstrong, Karine Saporta, à une création et trois reprises de rôles. Danseuse virtuose de par sa formation, Carole a toujours eu besoin de trouver du sens, d’interpréter avec sa sensibilité et un engagement total du corps et de l’esprit. Elle s’épanouit dans le travail de Laura Scozzi avec qui elle foule les scènes d’opéras de France et d’Europe. Elle participe dernièrement aux créations de Charlie-Anastasia Merlet à Toulouse et d’Amélie Poirier à Lille.

En parallèle de son travail d’interprète, elle monte sa compagnie en 2008, qu’elle conçoit comme un lieu idéal d’association d’humains, d’idées, de création. Elle expérimente avec d’autres artistes : danseurs de différents horizons, vidéaste, compositeur, scénographe… Depuis 2015, le noyau de la compagnie est constitué de Carole Bordes et de Johann Fournier, créateurs aux multiples facettes, ayant leurs écritures propres et entamant un travail de recherche commun.

Implantée en Seine et Marne, la compagnie se structure et déploie ses projets à Paris et en région, notamment dans le Vaucluse et la Charente-Maritime.

En 2016, Carole Bordes participe à Prototype 3 de Royaumont dirigé par Hervé Robbe sur le sujet de la Citation comme paradigme à la construction chorégraphique. Elle continue à façonner ses aspirations de chorégraphe et travaille depuis 2017 avec le regard extérieur de Jean Gaudin, les créations R pour Résistance et L’élan Naïf.

Riche de ce parcours, ses recherches chorégraphiques la mènent à façonner son propre langage : une gestuelle chargée et sensible qui met en avant l’état de corps pour donner à ressentir autant la puissance que la poésie.

Chaque pièce la mène à effectuer un travail de recherche, afin de trouver une danse-matière guidée par le propos et capable de le transcender.

De l’expo au jeu

POP UP propose aux spectateurs de cheminer d’une exposition composée de photographies et de vidéo-danse, à un espace de jeu pour découvrir le spectacle. 

Dans ce parcours POP UP, pas de narration, mais quand même, une petite histoire… celle du corps, ou plutôt de différents corps. Une poésie anatomique… Ou comment parler du corps, de sa mécanique à sa force expressive. 

La compagnie Sabdag

La rencontre des membres de la compagnie, Maryline Jacques, Chloé Favriau et Thierry Humbert, a débuté en 2005 par un premier projet collectif d’expérimentation et de création lors d’un accueil de dix jours à New Delhi et d’un mois au Ladack (Inde du Nord). Cette manière singulière d’expérimenter la rencontre en impulsant une aventure collective hors des studios et des théâtres, dans des conditions extrêmes, peu habituelles, a ancré les valeurs du collectif dans un profond désir d’expérimentations hors des sentiers battus et la volonté d’explorer leurs disciplines (danse, musique et aujourd’hui arts visuels) dans de multiples contextes. Ce voyage a aussi été l’occasion de rencontrer les habitants et leur culture, d’échanger avec eux, chez eux, dans leur environnement, ce qui a déterminé chez ces artistes tout-terrain une démarche de partage avec les publics, de curiosité mutuelle, en s’exportant dans des lieux non dédiés au spectacle vivant.

La compagnie Sabdag a ainsi œuvré au cœur de son territoire, l’Essonne, en allant à la rencontre du public par des performances, des spectacles des projets participatifs. Elle a toujours a été nomade, et grâce à de nombreux accueils, elle a voyagé au gré de ses projets et de ses partenariats. Une résidence de trois saisons a été réalisée à Saint-Michel-sur-Orge au Centre Culturel Baschet de 2013 à 2016. En 2017, la compagnie a été sélectionnée pour un CLEA (contrat local d’éducation artistique) sur l’agglomération Cœur d’Essonne, avec pour principe d’investir l’espace public, l’occasion de continuer les expériences artistiques « tout-terrain ».

Un projet de lieu est en cours d’élaboration à partir de la saison 2017-18, pour appuyer notre présence sur le département, en collaboration avec Le Cabaret des Oiseaux. Un lieu fédérateur autour de la danse, du corps et de la pratique artistique, un lieu ressource, un lieu festif, évidemment un lieu de création et de partage avec le public. Ce désir d’une implantation permanente au sein du territoire s’est révélé essentiel afin de développer notre activité, et de pérenniser nos liens et nos complicités.

Création visuelle Maryline Jacques

Création chorégraphique et interprétation Chloé Favriau et Maryline Jacques

Création sonore et interprétation Thierry Humbert

Scénographie Olivier Defrocourt et Maryline Jacques

Au projet pour les vidéo-danses et photographies et pour les performances en espace public sont associés Yasminee Lepe et Maud Miroux

Production Cie Sabdag

Co-production Service culturel de Morsang-sur-Orge

Accueils Centre culturel Baschet à Saint-Michel-sur-Orge / Le Silo à Méréville / Centre culturel des Prés du Roy à Saint-Germain-lès-Arpajon / Service culturel de Fleury-Mérogis / Soutien financier : Conseil Départemental de l’Essonne / Dispositif Politique de la Ville

Photos © Johan Desportes / Maryline Jacques 

Création de la pièce

« L’aventure du Malade Imaginaire est née d’une proposition du théâtre de la Calade à Arles, de travailler sur un texte classique. En même temps, nous avions entendu parler du projet d’Arpad Schilling en Hongrie de monter Hamlet avec trois acteurs interprétant toutes les figures, et pouvant se jouer partout. Il voulait renouer avec l’homme d’aujourd’hui, adresser cette parole aux jeunes gens, jouer dans les lycées. Nous avons eu envie de nous inspirer de ce projet. Impliquer le spectateur au cœur de notre dispositif. Jouer en permanence en interaction avec le public, pour qu’il construise le spectacle avec nous. Le solliciter au sens propre. 

Nous avons donc construit un dispositif et non un décor. Nous évoluons dans un espace tracé au sol de 6 mètres sur 5. Nous travaillons avec 8 chaises, 2 fauteuils et une chaise roulante. Nous projetons sur un écran le début des scènes que l’on joue. Toute la régie du spectacle (son, vidéo) est gérée par les acteurs. Les personnages sont repérés par un système de marquage. Pas de costumes, pas d’effets lumières. Autour de nous, sur 3 côtés, au plus proche de nous, les spectateurs. La jauge est volontairement limitée.

Nous cherchons par cette forme radicale à nous éloigner de tous les artifices de l’illusion pour nous centrer sur la langue. Des changements brusques, des tournures rapides, des passages sans transition, de la violence au rire franc, de la farce au tragique pour transmettre, comme Molière, une pulsion de vie, rendre à la pièce son insolence.

Nous cherchons une véritable transformation de la représentation en fonction, chaque jour, de la manière dont le public répondra à nos sollicitations, de la manière dont nous interromprons ou non le fil narratif, faisant des pauses, des incises, des commentaires. Nous nous accordons la plus grande liberté possible à réécrire le temps, le fil narratif, entrant et sortant des figures de la pièce, même si nous disons exactement le texte de Molière, cherchant à interroger donc tout autant la forme théâtrale elle-même que le jeu ou la pièce, (voire l’histoire du théâtre). Cette forme très souple nous permet de jouer à la fois sur les plateaux des théâtres, mais aussi, et c’est le projet de départ, dans d’autres lieux : collèges, (salles de classe, CDI, halls, réfectoires), salles des fêtes, gymnases… »

La compagnie Vol Plané

Après de nombreuses expériences théâtrales comme acteur et metteur en scène, Alexis Moati crée la compagnie Vol Plané avec la volonté de mettre l’acteur au centre des projets afin d’affirmer la part d’auteur qu’il peut développer. Les créations revêtent donc à leur démarrage un aspect collectif, et s’ancrent dans un travail d’improvisation important.

En plaçant les acteurs dans un dispositif (et non un décor), ils deviennent les constructeurs des univers successifs qu’ils traversent. Comme des enfants qui jouent, ils font évoluer l’espace autour d’eux au gré de leur imaginaire et restituent une vérité loin de toute psychologie. Un premier axe de travail s’est attaché à « ré-activer » des pièces du répertoire classique : Le malade imaginaire de Molière (2008), puis L’avare (2011) sont une affirmation déterminante du rejet de toute illusion et d’une mise en jeu constante de la convention avec les spectateurs.

Co-mis en scène par Alexis Moati et Pierre Laneyrie, ces deux spectacles ont remporté un succès non démenti à ce jour avec près de 500 représentations en France et à l’international. En parallèle, depuis 2010, la compagnie met en œuvre un travail d’écriture scénique singulier sur la thématique de la fin de l’enfance et de l’adolescence, à travers laquelle il pose la question de la transformation, celle des êtres, mais aussi celle de notre époque.

En 2016, la compagnie crée Alceste(s), co-mis en scène par Alexis Moati et Pierre Laneyrie. Prolongeant le geste dramaturgique engagé dans les deux précédentes pièces de Molière, cette création librement adaptée du Misanthrope s’enrichit également des questionnements amorcés dans la trilogie entre 2010 et 2015 autour de ce que grandir veut dire.

Durant leurs années de résidence à La Gare Franche, en tant qu’artiste à l’a(e)ncre de 2014 à 2018, très vite Vol Plané se pose la question du rapport au territoire et de la jeunesse qui l’habite. La compagnie met alors en place le groupe de 15 : 25 jeunes étroitement associés à la vie de la compagnie, avec qui ils apprennent le théâtre selon une pédagogie active, font des sorties culturelles, voyagent, et vont à la rencontre du monde et d’eux-mêmes. De cette collaboration naîtront deux spectacles : Antigone (2017) et Rites (2018). Une expérience riche pour Vol Plané qui trouvera son prolongement dans le Groupe Miroir, un projet de territoire porté en étroite collaboration avec le Merlan scène nationale de Marseille qui verra le jour au cours de la saison 19/20.

Mise en scène Alexis Moati et Pierre Laneyrie

Avec Carole Costantini, Stéphanie Fatout, Pierre Laneyrie, Alexis Moati, Régie Générale Nicolas Rochette et Thibault Pasquier

Régie Générale Nicolas Rochette et Thibault Pasquier

Co-Production Compagnie Vol Plané et Théâtre de la Calade – Arles

Photos © Cécile Vissière / Cécile Giovansili

Victor RODRIGUEZ (euphonium) du Conservatoire de Melun

Texte à venir

Kaori SAKAI (orgue) 

Texte à venir

Photos © ADOM

La compagnie

The Rat Pack Cie est née en 2016 d’un désir commun de quelques artistes de la compagnie XY de réfléchir ensemble à un spectacle scénarisé mais aussi de l’envie de faire se rencontrer l’acrobatie, la musique et le cinéma. Ces motivations et énergies mélangées donneront naissance à SPEAKEASY qui a pour volonté de s’approprier l’univers et l’esthétique des films « noirs ». S’associant pour cette création au collectif CHINESE MAN, ce spectacle a permis à la Cie de trouver une partie de son identité. Trois ans de tournée plus tard, quatre artistes de la compagnie décident de repartir en création.

Rejoints, pour ce projet, par quatre autres protagonistes, l’univers et l’espace de recherche se voit ainsi élargi. Nous voilà donc six circassiens pour ce nouvel opus avec : Xavier Lavabre, Guillaume Juncar, Andrea Catozzi, Ann-Katrin Jornot, Denis Dulon, Joséphine Berry. En conjuguant le théâtre physique et le cirque avec un certain sens de la création, il s’agit d’aller encore plus loin en explorant cette fois-ci, la rencontre de leurs arts avec le cinéma de genre. Ils se lancent donc dans le Cinéma d’Action. Les techniques de réalisation, de montages et de l’espace même d’un plateau de tournage seront leur terrain de jeu dans un espace scénique voulu frontal comme du 16:9.

Jos Houben, metteur en scène de Play / Replay

Né en Belgique en 1959, Jos Houben est comédien, metteur en scène et pédagogue. Il se forme à l’École Jacques Lecoq avec Philippe Gaulier, Monika Pagneux et Pierre Byland. Membre fondateur de la Compagnie Complicité à Londres, il joue dans et collabore à la création du célèbre A minute too late, pièce qui bouleverse en 1985 le paysage théâtral en Grande-Bretagne. Il écrit et met en scène le duo absurdo burlesque culte The right size (lauréat des prix Laurence Olivier Award : meilleur spectacle en 1999 et meilleure nouvelle comédie en 2002) qui s’est produit dans le West End à Londres et sur Broadway à New York. En France, Jos Houben a travaillé régulièrement comme comédien avec le compositeur contemporain Georges Aperghis. En 2008, il est l’un des interprètes de Fragments de Samuel Beckett mis en scène par Peter Brook. Il est depuis 2000 professeur à l’Ecole Jacques Lecoq à Paris et il anime des stages dans le monde entier sur les thèmes du Clown, du Burlesque et du Mime. Il a récemment collaboré avec la Comédie Française et a travaillé avec Jean-François Peyret.

Supa Jay

Suite à l’expérience émotionnellement riche et intense avec le collectif Chinese Man sur Speakeasy, ils ont eu envie de prolonger cette collaboration. Spa Jay les a donc rejoint pour la création musicale. Leader du groupe Scratch Bandits Crew pour lequel il a composé tous les albums, il est aujourd’hui aussi la moitié du nouveau duo BOLD avec High Ku du groupe Chinese Man. Sur la base des morceaux de leur premier disque éponyme sorti sur le label Chinese Man Records en 2022, il a recomposé des versions inédites pour créer la bande originale de Play Replay. Il y développe un style de Hip-Hop transversal entre sonorités électroniques et instrumentales. Il avait déjà réalisé les arrangements musicaux de Speakeasy le précédent spectacle de la compagnie et a à son actif de nombreuses créations originales autour du spectacle vivant, des arts numériques et du cinéma.

L’équipe artistique

Acrobate Voltigeuse Ann-Katrin Jornot
Comédienne Josephine Berry
Acrobate Guillaume Juncar
Acrobate/Danseur Roue Cyr. Andrea Catozzi
Acrobate/Porteurs Xavier Lavabre, Denis Dulon

L’équipe technique

Création lumière Elsa Revol et Cécile Hérault
Scénographie Claire Jouët Pastré
Costumes Pierre-Yves Loup Forest
Régie lumière Cécile Hérault, Paul Deschamps
Régie son Lucas Garnier
Production diffusion Béatrice Alexandre

Production déléguée : Association Rouge.

Co-productions et accueils en résidence :
• Plateforme 2 pôles cirque en Normandie – La Brèche à Cherbourg / Le Cirque-Théâtre d’Elbeuf
• Le Carré Magique, Pôle National Cirque – Lannion
• La Machinerie – Vénissieux, Scène Conventionnée d’intérêt national Art & Création
• L’Archipel, Pôle d’Action Culturelles, Fouesnant-les-Glénan
• La Cascade, Pôle National Cirque Ardèche Auvergne Rhône Alpes -Bourg Saint Andéol
• Les Salins – Scène Nationale de Martigues
• CIRCA, Pôle National Cirque Gers Occitanie – Auch
• Esher Theater – Esch-sur-Alzette (Luxembourg)
• Le Palc – Furies, Pôle National Cirque Grand Est – Châlons-en-Champagne
• L’Etang des Aulnes – Département des Bouches du Rhône
• L’ENACR – Ecole de cirque Rosny-Sous-Bois Soutien : Ministère de la Culture – Direction Régionale des Affaires Culturelles du Grand Est

Photos © The Rat Pack